40 Jahre „Rockit“, wie Herbie Hancock die Hüfte hob

Jun 05, 2023

Anlässlich des 50-jährigen Jubiläums des Hip-Hop untersucht theGrio, wie Herbie Hancocks „Rockit“ mithilfe des Turntablism von Grandmixer DXT dazu beitrug, dass Hip-Hop in seinen Anfängen den Respekt von Musikkritikern und Gatekeepern erlangte.

Es ist nur eine Modeerscheinung. Das sagten Kritiker und Musiker, Schwarze und Weiße gleichermaßen, über Hip-Hop- und Rap-Musik im Jahr 1983.

Die Geschichte der aufgenommenen Hip-Hop- und Rap-Musik begann 1979 mit „Kim Tim III“ von Fatback und „Rapper's Delight“ von Sugar Hill Gang. In den folgenden vier Jahren begann die musikalische Weiterentwicklung enorm mit „The Breaks“ von Kurtis Blow, „The Message“ von Grandmaster Flash and the Furious Five, „Funk You Up“ von The Sequence und „Planet Rock“ von Afrika Bambaataa & the Soul Sonic Force. ”

Trotz seines Aufkommens wurde Hip-Hop, insbesondere Rap, kaum mehr als ein vorübergehender Trend oder eine seltsame Neuheit einer verunglimpften Gemeinschaft farbiger Menschen übersehen. Die Menschen empfanden es als primitiv und ohne natürliche Begabung.

Hip-Hop erlangte den Respekt der Branche, als ein Mann einschritt, um diese neue innovative Musik auf ein Podest zu stellen. Dieser Mann ist Herbie Hancock. Seine Single „Rockit“ aus dem Jahr 1983 nutzte die Hip-Hop-Integration von New Yorker Electro und Platten-Scratching mit den Fähigkeiten eines sogenannten Jazzmusikers und eröffnete dem Genre ein neues Plateau.

Der in Chicago geborene Klaviervirtuose baute sich in den 1960er Jahren einen hervorragenden Ruf als flinker, intelligenter Sideman von Miles Davis und Donald Byrd auf und erwies sich gleichzeitig als herausragender Komponist als Leader. Kompositionen wie „Cantaloupe Island“, „Watermelon Man“ und „Maiden Voyage“ wurden sofort zu Standards im Bereich des sogenannten Jazz.

Aber Hancock wollte mehr. Er wollte die Menschen zum Tanzen bringen. In den 1970er Jahren versuchte Hancock, sich aus dem Konsortium der sogenannten Jazzwelt zu lösen und stattdessen Musik zu machen, die dem zugänglichen Funk von Sly Stone ähnelte. Dasselbe erreichte er mit seinem 1973 erschienenen Album „Head Hunters“ und seiner berühmtesten Single „Chameleon“.

Zu Beginn eines neuen Jahrzehnts drängte Hancock weiterhin auf neue Sounds. Nachdem sein 1982 erschienenes Album „Lite Me Up“ mit Kompositionen von Rod Temperton („Thriller“, „Give Me the Night“) keinen Einfluss auf Pop oder R&B-Radio hatte, ließ sich der Pianist von einer aufstrebenden Bewegung inspirieren.

„In den frühen 80ern war ich zur richtigen Zeit am richtigen Ort mit den richtigen Leuten“, sagte Hancock in seinem Dokumentarfilm „Possibilities“ aus dem Jahr 2005. Während dieser Zeit begannen Hip-Hop und Rap langsam in die Kultur einzudringen, indem Künstler anderer Genres mit dem Medium experimentierten.

Blondie-Frontfrau Debbie Harry rappte auf ihrem Hit „Rapture“ aus dem Jahr 1980 und nannte Grandmaster Flash und Fab Five Freddie namentlich. Auf der ersten Hitsingle von New Edition, „Candy Girl“, rappte das Bostoner Quintett während der Bridge des Songs. Der britische Musiker und ehemalige Sex-Pistols-Manager Malcolm McLaren widmete sich mit voller Begeisterung der Hip-Hop-Produktion mit Songs wie „Duck Rock“, „Buffalo Gals“ und „World's Famous“ mittels Rap und Platten-Scratching.

Pioniere wie Grand Wizard Theodore öffneten die Büchse der Pandora, indem sie das Scratchen von Schallplatten als DJ-Attribut erkundeten. Als Hancock es entdeckte, wusste er, dass er damit experimentieren musste.

„Ich hörte das Kratzen als eine Art Umgebungsgeräusch, aber auf rhythmische Weise“, sagte Hancock. „Ich sagte: ‚Damit möchte ich etwas machen.‘“

Hancock engagierte das Duo Bill Laswell und Michael Beinhorn von der experimentellen Post-Rock-Band Material. Gemeinsam komponierte und produzierte das Trio 1983 Hancocks Album „Future Shock“. Der Titelsong diente als aktualisiertes Cover des Curtis-Mayfield-Songs von 1973 und als Leitbild für die musikalische Miniaturrevolution, die die erste Single des Albums auslösen sollte.

Wie „Chameleon“ hatte auch „Rockit“ einen fiesen Bass-Hook (mit freundlicher Genehmigung von Laswell) als Grundlage. Während der Tenorsaxophonist Benny Maupin die Melodie des ersteren spielte, bearbeitete Hancock die Melodie von „Rockit“ selbst mit einem Ohrwurm einer Synth-Keyboard-Linie. Geben Sie Grandmixer DXT ein. Der aus der Bronx stammende DJ trat Hancocks Kreis bei und stellte „Rockit“ sein Talent zur Verfügung.

Das Rekordkratzen von Grandmixer DXT war nicht das Tüpfelchen auf dem i, sondern Milch, Eier und Weizen. Sein ikonischer Ansatz trieb den Track voran, genauso wie Clyde Stubblefields ikonischer Drum-Breakdown bei James-Brown-Stücken wie „Funky Drummer“ und „Cold Sweat“ wirkte. DXT und Hancock legten den Grundstein dafür, dass Turntablismus als echte Musikalität anerkannt wurde, und steigerten später die Arbeit von Leuten wie Pete Rock und DJ Premier.

„Rockit“ kam am 1. August 1983 auf die Straße und hinterließ einen erdbebenartigen Eindruck in den Straßen, unterstützt durch ein fantasievolles begleitendes Musikvideo mit skurrilen mechanischen Tanzbeinen und Robotern. Die Melodie machte es den Zuhörern unmöglich, still zu bleiben, wurde zu einer Breakdance-Hymne und stand Kopf an Schultern neben Titeln wie „Let the Music Play“ von Shannon und „Jam On It“ von Newcleus. Sogar Hancock war schockiert darüber, wie sehr die Hip-Hop-Community seinen neuen Track annahm.

„Ich erinnere mich, dass mir einmal jemand erzählt hat, dass sie zu einem Breakdance-Wettbewerb gegangen sind“, sagte Hancock in der Dokumentation „Possibilities“. „Es gab 25 Gruppen, und jede konnte sich ein beliebiges Musikstück für die Pause aussuchen. Vierundzwanzig von ihnen entschieden sich für ‚Rockit!‘.“

„Rockit“ trug dazu bei, dass „Future Shock“ Hancocks kommerziell erfolgreichstes Album der 1980er Jahre wurde. Die LP erreichte Platz 2 der Billboard Jazz-Charts, Platz 10 der R&B-Charts und „Rockit“ wurde Hancocks zweiter und letzter Eintrag in den Billboard Hot 100.

Nachdem die Öffentlichkeit reagiert hatte, reagierten auch die Kritiker. Hancock und die Band erhielten für „Rockit“ einen Grammy Award für die beste R&B-Instrumentaldarbietung. Mit der Trophäe für Grandmixer DXT feierte Hip-Hop seinen ersten Grammy-Gewinn. Das Video zu „Rockit“ hinterließ großen Eindruck. Bei den ersten MTV Video Music Awards im Jahr 1984 gewann Hancock fünf Auszeichnungen, die meisten aller Künstler an diesem Abend, darunter Michael Jacksons „Thriller“, der nur drei Siege einbrachte.

„Rockit“ bereitete das Publikum auf die unumkehrbare Infiltration des Hip-Hop in die amerikanische Kultur vor, die drei Jahre später durch „Walk This Way“ von Run-DMC erfolgen sollte. Hancocks Musik sollte bald zur Quelle einiger der bedeutendsten und ansteckendsten Rap-Platten werden, die jemals produziert wurden, von „Canteloop (Flip Fantasia)“ von US3 bis zu „Get Dis Money“ von Slum Village.

Obwohl die Verschmelzung von Hip-Hop und sogenanntem Jazz bereits in den 1970er Jahren durch Künstler wie Gil-Scott Heron und Quincy Jones vorangetrieben wurde, leitete „Rockit“ die heutige Verschmelzung der beiden Welten ein. Der Titel ebnete A Tribe Called Quest den Weg, Hancocks Vizepräsidenten Ron Carter für ihr 1991er Album „The Low End Theory“ zu gewinnen. Als Davis, Hancocks alter Chef, begann, mit Easy Moe Bee für sein letztes Album „Doo-Bop“ zusammenzuarbeiten, lieferte Hancock wahrscheinlich die Vorlage für eine solche Zusammenarbeit.

„Rockit“ hat dazu beigetragen, Hip-Hop auf eine Weise zu legitimieren, wie es Künstlern anderer Genres nicht möglich war. Da Hancock durch seine Zusammenarbeit mit Miles Davis und seinen Ruf als progressiver Pianist und Komponist so viel Respekt in der Öffentlichkeit erhielt, nutzten Hancock und seine Band diesen Respekt auf eine Art und Weise, die weder gekünstelt noch dazu gedacht war, auf der Welle eines Trends zu reiten. Hancock und das Lied waren der Vater anderer zukunftsweisender Jazz-Hip-Hop-Fusionisten wie Robert Glasper, Jason Moran und Terrace Martin.

Dank der Wirkung von „Rockit“ ist Hip-Hop der dominierende inspirierende Faktor in der Musik- und Popkultur weltweit. Nicht schlecht für eine Modeerscheinung.

Matthew Allen ist Unterhaltungsautor für Musik und Kultur bei theGrio. Er ist ein preisgekrönter Musikjournalist, TV-Produzent und Regisseur mit Sitz in Brooklyn, NY. Er hat Künstler wie Quincy Jones, Jill Scott, Smokey Robinson und andere für Publikationen wie Ebony, Jet, The Root, Village Voice, Wax Poetics, Revive Music, Okayplayer und Soulhead interviewt. Seine Videoarbeiten sind auf PBS/All Arts, Brooklyn Free Speech TV und BRIC TV zu sehen.

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